Дмитрий Бертман, основатель и художественный руководитель театра «Геликон-опера», недавно дал обширное интервью, в котором обсудил грядущую премьеру оперы Игоря Стравинского «Похождения повесы», приуроченную к 35-летнему юбилею театра.
В разговоре Бертман высказал свою глубокую привязанность к творчеству Стравинского, который, по его словам, стал важной частью идентичности театра. «Геликон-опера» стартовал с постановки его произведений, а в театре есть зал, названный в его честь.
Стравинский для Бертмана – это не просто композитор, а символ философии современного искусства. Он подчеркивает, что Стравинский является «русским по корням, но космополитом по духу», охватывающим идеалы разрушения и созидания. Отношение России к Стравинскому, как считает Бертман, зачастую скептическое, что, по его мнению, неправильно.
Он убежден, что необходимо привлекать внимание к этому гению, чье влияние на мировую музыку неоспоримо, и «если его мало играют, значит, будем делать это мы».
Он также отметил, что «Похождения повесы» заслуженно занимают место одной из лучших опер ХХ века, являясь итоговым музыкальным высказыванием Стравинского. Познание его творчества, по мнению Бертмана, является важной частью культурного наследия, и театр делает всё возможное, чтобы способствовать этому процессу.
Стравинский мастерски преобразил элементы, присущие Моцарту, такие как ясность и изящество, адаптировав их к современности. Его опера стала настоящим отражением XXI века. Она устраняет страхи, связанные с современной музыкой, демонстрируя гармонию арий и хоров, которые делают её доступной и понятной для поклонников. Более того, создание этого произведения в 1951 году стало предвестием проблем нашего времени.
Сюжет «Повесы» ярко перекликается с реальной жизнью сегодняшнего дня, где молодые люди стремятся к мгновенному успеху без труда и упорства. Том Рэйкуэлл — символ поколения, жаждущего всего и сразу: богатства и статуса, не желая сталкиваться с обязанностями. Он олицетворяет тех, кто выбирает краткий путь к легким деньгам и в конечном итоге оказывается в хаосе. Напротив, Энн, трудящаяся ради своих целей, выходит победительницей.
Стравинский, написав свой шедевр 70 лет назад, предвосхитил проблемы, связанные с культом немедленного успеха, показывая, насколько важно осознавать цену достижения своих целей. Быстрая победа может оказаться случайностью, но истинный успех, которым можно гордиться, приходит только через усилия и переживания. Это достоверная истина, которую стараемся игнорировать. В «Похождениях повесы» Стравинский изображает вечные вопросы человеческой души, предостерегая от искушения легкого успеха, за который придется заплатить высокую цену.
Игорь Стравинский, один из самых влиятельных композиторов XX века, взаимодействовал не только с известными музыкантами, такими как Прокофьев и Рахманинов, но и с яркими личностями из мира искусства, включая Дягилева, Пикассо и Чаплина. Он не поддерживал близкие отношения с Прокофьевым и Рахманиновым, а вот дружба с такими гигантами как Дягилев была крепкой.
По приглашению Коко Шанель он жил вместе с семьей в ее доме, что стало не только известным фактом в биографии композитора, но и отражено в кино, порождая спекуляции о возможном романе между ними. Стравинский, обладая обаятельностью и талантом, действительно мог привлечь внимание Шанель, которая помогала многим художникам. Однако главное для него было умение находить общий язык с гениями своего времени; он понимал важность диалога в искусстве, в отличие от изолированного монолога.
Интересный эпизод из его жизни произошел осенью 1962 года, когда Стравинский, уже в возрасте 80 лет, вернулся с гастролями в Советский Союз. Концерты в Москве и Ленинграде прошли с большим успехом, и он сам дирижировал оркестром. В своих размышлениях он признался, что, несмотря на полвека жизни в эмиграции и смену гражданства на французское и американское, русская культура оставалась для него важной.
Его слова о том, что у человека «одна родина» и «место рождения является главным фактором» жизни, показывают крепкую связь с его корнями. Даже когда родственник предложил ему вернуться в родной город, композитор отказался, что подчеркивает, насколько глубоко он оставался привязан к своей исторической родине.
Причины, которые подвигли Игоря Стравинского покинуть Россию, были многогранными, но тоска по родине не оставляла его до последних дней. Стравинский оставался верным русской культуре, понимая, что родина — не просто место в паспорте, а часть души творца.
Он получил юридическое образование в Санкт-Петербурге, однако музыкальное обучение было неполным: Стравинский занимался лишь частным образом с Римским-Корсаковым. Несмотря на это, он считается музыкальным гением-самоучкой, так как его истинными наставниками стали концерты и собственные эксперименты, а не традиционные учебные заведения.
Сотрудничество Стравинского с Сергеем Дягилевым длилось три года и дало жизнь трем значимым балетам: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913). Эти произведения сделали русский балет и музыку эталонными в мире и оказали влияние на многих художников и модельеров ХХ века.
В современной геополитической ситуации обсуждается возможность создания новых «Русских сезонов». Хотя мир изменился, влияние культурного наследия Стравинского, по мнению экспертов, не ослабло, а трансформировалось. Сегодня, в условиях сложных международных отношений, культура становится еще более актуальной, и проект, подобный современным «Русским сезонам», объединяет множество людей и учреждений вокруг творчества великого композитора.
Русская культура является уникальным богатством нашей страны, ее ценность превышает даже такие ресурсы, как нефть и газ. На международной культурной арене русские артисты, музыканты и художники занимают значительное место. Работы русских художников находятся в лучших музеях мира, а театры наполняют постановки на основе произведений наших авторов. Количество русских режиссеров, работающих за границей, говорит о высоком уровне подготовки творческих кадров в России. Важно поддерживать и развивать этот талант, поскольку он вдохновляет других и создает новую волну креативности.
К сожалению, информация о достижениях наших соотечественников не всегда получает широкую огласку. Например, успевший поразить мир пианист Эрвин Флорес, который в 13 лет завоевал золотую медаль на конкурсе Моцарта, или сопрано Валентина Правдина, ставшая лауреатом Международного конкурса имени Ганса Габора Бельведер. Они со своими достижениями остаются незамеченными в новостях, несмотря на их талант и труд.
Также следует отметить высокие достижения в области медицины, где Россия демонстрирует инновации и передовые технологии. Однако о таких успехах мы слышим не часто, хотя это искусство имеет долгую и славную историю.
Когда мы говорим о новой волне русской культуры, такой как «Русские сезоны 2.0», стоит вспомнить, что даже в трудные времена, как это было во время революций и войн, культурная жизнь продолжала развиваться. Пример Дягилева и его сезонов показывает, что культура может сохранять свою актуальность даже в условиях политической нестабильности.
Искусство всегда преодолевало преграды благодаря своему универсальному языку красоты. Настоящая сила человечества заключается в способности любить друг друга. Если мы не научимся гордиться успехами ближних и радоваться за них, то будем сталкиваться с всё большими трудностями в мире геополитической неопределенности.
Культура, подобно источнику, временами может скрываться, но в конечном итоге неизменно вырывается на поверхность, предлагая всем возможность черпать из него вдохновение.
При этом талантливые личности часто обращаются к вопросу лени. Так, поэт Дельвиг не раз упоминал о ней, аналогично и я затрагиваю эту тему в своей книге о театре «Геликон-опера», выпущенной к 35-летнему юбилею.
Интересно, что в жизни и работе лень может стать источником прогресса. В 1990 году, в сложный период, я основал театр, который теперь успешно функционирует 35 лет, привлекая известных творческих людей и оживляя культурное пространство. Важные события, такие как постановка непростой оперы, требуют значительных усилий.
Я различаю два вида лени: обывательскую и творческую. Обывательская лень проявляется в бездействии, когда человек просто ждет, не прикладывая никаких усилий. Творческая же лень — это осознанный отказ от рутинных и неинтересных дел для сохранения энергии на более значимые проекты.
Мой учитель Георгий Павлович Ансимов когда-то сказал мне: «Талантливый человек ленив ко всему, кроме своего призвания». Я стараюсь следовать этому принципу, избегая скучных собраний и бумажной волокиты.
Когда речь заходит о театре и музыке, лень неуместна. Дина Кирнарская верно подметила, что именно лень одновременно может быть спутницей таланта, но не в привычном смысле. В ее концепции лень проявляется как избирательность: творческая личность экономит свою энергию для главного дела. Она не стремится к суете, а сосредоточена на искусстве.
В 1990 году, когда я создавал «Геликон-оперу», доводилось сталкиваться с непониманием чиновников, которые не видели нужды в новом оперном театре. Однако я не испытывал лени в стремлении реализовать эту идею, работая день и ночь. Я уклонялся от рутинных задач, но с энтузиазмом искал новые подходы и смыслы.
Прошло 35 лет, и я по-прежнему избегаю повторений и стандартных подходов. Я не желаю выполнять работу по заданным рамкам и стандартам, вместо этого предпочитаю исследовать и экспериментировать. Разумная лень — это не повторение вчерашнего, а поиск новых путей и решений.
Лень творческого человека проявляется в том, что он не хочет работать с теми, кто не страстно относится к своему делу, и не хочет заниматься деятельностью, лишенной радости как для него, так и для аудитории. Эта форма лени порождает парадокс: нежелание делать что-то плохо ведет к необходимости делать хорошо, что всегда требует значительно больше усилий.
Таким образом, творческая лень становится движущей силой прогресса. Это не просто безделье; это стремление к красоте и глубине в искусстве, установленное на основе избежания обыденности.
Театральная лень – это выражение о стремлении делать меньше, но делать это качественно. История премьеры «Весны священной» Игоря Стравинского в Париже более ста лет назад является ярким примером взаимодействия искусства и публики. Первая реакция зрителей на сложные декорации и необычную музыку была негативной, что привело к скандалу, однако всего через год они уже аплодировали этому произведению.
Это показывает, что публика не всегда готова воспринимать новое, и такая ситуация ставит вопрос о роли театральных деятелей: должны ли они идти на поводу у зрителей или образовывать их?
Стравинский был прав, утверждая, что обычному меломану сложно понять современную ему музыку. На мой взгляд, театры должны находиться на полшага впереди зрителя – не слишком далеко, чтобы не пугать, и не слишком близко, чтобы не наскучить. Этот баланс важен: публику нужно любить, но нельзя заискивать перед ней, необходимо уважение, но не подчинение.
Зритель идет в театр не только за развлечением, но и за открытиями. Такие открытия иногда сопряжены с дискомфортом, поскольку требуют от зрителя отказа от привычных представлений. Театры должны предлагать зрителям пищу для ума, причем в такой форме, чтобы это было не только полезно, но и привлекательно. В этом кроется успех.
Говоря о воспитании зрителей, важно обратить внимание на то, что детей следует вводить в мир оперы как можно раньше. Я убежден, что уже в три года ребёнок способен воспринимать искусство оперы, и это вложение в их эстетическое развитие принесёт плоды в будущем.
Музыка является универсальным языком, который легко воспринимается и понимается без дополнительных объяснений. Она может выразить то, что словами порой не передать, что делает посещение музыкального театра с детьми особенно ценным. Дети не боятся громкой музыки или высоких нот, они воспринимают музыку как естественную часть своего мира. Поэтому не стоит беспокоиться, что опера или музыкальный театр могут напугать ребёнка — гораздо хуже лишить его возможности насладиться этой красотой.
Недавно в «Геликон-опере» прошли постановки, основанные на произведениях Стравинского, и возник вопрос, что же будет дальше в репертуаре театра. В интервью с испанским дирижером Оливером Диазом, который много лет назад уже ставил «Трубадур» в Москве, он выразил желание вернуться и снова поработать в нашем театре. Это открывает новые горизонты для будущих постановок.
В театральной жизни, как и в реальной, самые интересные события часто происходят неожиданно. Дирижер Диаз действительно является ценным членом театральной команды, и его желание вновь посетить Москву может свидетельствовать о возможных новых коллаборациях. Важно не только то, что делается на сцене, но и с кем это делается. Творческий процесс — это всегда коллективная работа. Когда объединяются единомышленники, возникает магия, и ее невозможно предвидеть, но можно создать подходящие условия для рождения чего-то нового.
Кроме того, Оливер Диаз увлекается шахматами и знаком со многими русскими гроссмейстерами. Вопрос о шахматах также задел тему интересов людей, и сам дирижер выражает уважение к этой интеллектуальной игре, сравнивая её с театром. Каждая партия в шахматах — это небольшая драма с завязкой и развязкой. Однако для него важен театр, поскольку все его увлечения так или иначе связаны с этой сферой.
Он читает книги и думает о возможности создания на их основе оперы, слушает музыку, представляя, как она прозвучит в театре, а во время поездок ищет новые сценические решения. Некоторые могут назвать это профессиональной деформацией, но сам он считает, что его жизнь — это и есть его работа, его счастье.
Иногда Оливер просто посещает художественные галереи, наслаждаясь тишиной и созерцанием произведений искусства, что также можно сравнить с театром — театром молчания и глубокой мысли. Все это демонстрирует то, насколько междисциплинарным и многогранным может быть искусство, соединяющее различные аспекты жизни и мышления.
